Vom New Yorker als „leuchtendes Licht“ unter den Jazzgitarristen bezeichnet und vom Musicians Magazine zu den zehn besten Gitarristen der Welt gezählt, ist Muthspiel für seinen intuitiven, tiefgründigen Stil und seine Vorliebe für Improvisation bekannt, die ihn zu einem der einflussreichsten Jazzgitarristen unserer Zeit gemacht haben. Er ist die eine Hälfte des Duos Friendly Travellers, das er zusammen mit Schlagzeuger Brian Blade gründete, und Teil des Trios MGT (Muthspiel-Grigoryan-Twoner), mit dem er sein Debütalbum „Travel Guide“ bei ECM Records veröffentlichte. 2014 folgte das hochgelobte Album „From a Dream“. 2016 veröffentlichte er „Rising Grace“ als Teil eines Quintetts mit Brad Mehldau, Ambrose Akinmusire, Brian Blade und Larry Grenadier. Um angehenden Musikern etwas zurückzugeben, rief Muthspiel das Focusyear Project ins Leben, das vielversprechenden Musikern die Möglichkeit bietet, ein Jahr lang gemeinsam zu üben, aufzutreten und zu studieren. Wir haben uns vor Kurzem mit Muthspiel unterhalten, unter anderem über seinen musikalischen Werdegang, seine Begeisterung für Music Traveler und den Troubadour Jaufré Rudel aus dem 12. Jahrhundert!
Wie würdest du deinen eigenen Gitarrenstil beschreiben?
Das ist eine schwierige Frage. Ich würde sagen, dass mein Stil eine Kombination aus meinem musikalischen Werdegang ist, angefangen bei klassischer Musik und klassischer Gitarre über die Entdeckung der Improvisation bis hin zur Auseinandersetzung mit den Ursprüngen der verschiedenen Musikrichtungen, die ich spiele.
Welche Musik lief bei dir zu Hause in deiner Kindheit?
Mein Vater war Dirigent eines Chors, in dem Renaissancemusik gesungen wurde, und bei uns zu Hause hörten wir ausschließlich klassische Musik und österreichische Volksmusik.
Welchen Einfluss hatte die Entdeckung des Jazz auf Ihre frühe musikalische Entwicklung?
Schon früh liebten mein älterer Bruder Christian und ich es, Lieder zu erfinden und zu improvisieren. Wir spielten einfach das nach, was wir hörten, und versuchten, es nachzuahmen. Theorie und Wissen spielten dabei keine Rolle, und anfangs kannten wir Jazz noch nicht. Als wir dann erfuhren, dass es eine Musikrichtung gibt, in der die Improvisation im Vordergrund steht, waren wir verblüfft und total fasziniert! Wir tauchten gemeinsam in die Welt des Jazz ein und besuchten unsere ersten Jazzkonzerte in Graz. Das vermittelte uns natürlich noch nicht das ganze Bild, aber wir wussten, dass er sich stark von der Klassik unterschied. Bis ich 23 war, spielte ich sowohl Klassik als auch Jazz, merkte aber irgendwann, dass ich beiden nicht mehr gerecht werden konnte, und beschloss, mich ganz dem Jazz zu widmen.
Erinnerst du dich an die ersten Schallplatten, die du gekauft hast?
Als ich jung war, war der Kauf von Schallplatten etwas Besonderes. Wir hatten bereits eine umfangreiche Klassiksammlung. Als Christian und ich uns dann für Musik zu interessieren begannen, sparten wir für Jazzplatten. Unsere ersten Erfahrungen sammelten wir beim deutschen Label ECM. Die ersten großen Alben stammten von Künstlern wie Keith Jarrett, Pat Metheny, Kenny Wheeler und Dave Holland – der Katalog von ECM führte uns in die Welt des Jazz ein. Und jetzt bin ich bei ECM, demselben Label, das mich mit Jazz bekannt gemacht hat!
2018's Where the River Goes von ECM
War es für Sie als österreichischen Jazzmusiker eine Offenbarung, als Sie in den 1980er Jahren begannen, in den USA aufzutreten?
Ich liebe die USA, weil die allgemeine Reaktion dort immer „Ja, mach es!“ war, wenn man jemandem von einem Vorhaben erzählte. Ein Wiener hätte da immer gefragt: „Bist du dir sicher?“ Beide Kulturen haben ihren Wert, aber die offene und unterstützende Atmosphäre der amerikanischen Kunstszene war für meine Entwicklung enorm wichtig, insbesondere der kreative Wettbewerb unter den Musikern, den ich dort erlebte. Man konnte jeden Abend ausgehen und einen großartigen Musiker hören. Das war sehr inspirierend, und wenn man in New York einen Auftritt hatte, kamen Kollegen aus aller Welt, um einen zu hören, egal wie etabliert oder berühmt sie waren! Es herrschte eine große Offenheit für neue Ideen, und es gab viel weniger Abschottung. In den USA war die gesamte Jazzszene aneinander interessiert, und das war fantastisch!
Wer ist der verrückteste Improvisationskünstler, mit dem du je gespielt hast?
Es gab einige, aber der Pianist und Komponist Aydin Esen fällt mir sofort ein. Ich lernte Aydin während meines Studiums in Boston kennen. Er war der aufmerksamste Zuhörer, dem ich je begegnet bin. Jazzmusik lebt vom Zuhören. Je mehr wir hören, desto besser können wir entscheiden, was wir dem gewünschten Klang hinzufügen möchten. Er ist einer dieser Menschen, die absolut alles hören und sich merken können. Da Aydin, was das Hören und Behalten komplexer Harmonien und langer musikalischer Strukturen angeht, einer der außergewöhnlichsten ist, die ich je erlebt habe, ist sein musikalisches Talent schlichtweg unglaublich!
Immer im Einklang mit der Musik! Foto von Laura Pleifer
Aus deiner eigenen musikalischen Laufbahn und den Menschen, mit denen du gerne zusammenarbeitest, geht hervor, dass du ein großer Verfechter des Lernens durch Zuhören und Eintauchen bist.
Absolut! Tatsächlich ist das Eintauchen in eine bestimmte musikalische Umgebung eines der Grundprinzipien eines von mir entwickelten Programms namens Focusyear. Wir führen es jedes Jahr in Basel für talentierte Musiker durch, um ein einzigartiges Erlebnis zu schaffen.
Intensives Musikerlebnis ohne die Grauzonen, die mit der akademischen Welt oder Schulen einhergehen, sondern durch gemeinsames Lernen.
Haben Sie einen Rat für junge Musiker?
Ich würde sagen, die besten Dinge, die mir widerfahren sind, verdanke ich meinen musikalischen Ambitionen und nicht Strategien. Du solltest deiner tiefsten musikalischen Sehnsucht folgen. Viele junge Musiker denken, sie müssten alles lernen und in vielen verschiedenen Bereichen gut sein, aber ich glaube, enzyklopädisches Wissen ist nicht besonders hilfreich. Viel hilfreicher ist es, sich intensiv mit dem Bereich auseinanderzusetzen, der dich wirklich berührt, selbst wenn es nur ein kleiner Bereich ist.
Erzählen Sie uns, was Sie an Music Traveler als Konzept sehen.
Die Idee, mithilfe von Technologie einen Ort mit der nötigen Instrumentierung zu finden, um ein paar Stunden zu arbeiten, egal wo man ist, ist sehr verlockend. Es gibt viele tolle Angebote und Räume, auf die ich mich schon freue. Wenn eine Probe in meiner Wohnung zu laut ist, bietet Music Traveler die Flexibilität, einen Raum mit Schlagzeug zu mieten – ein großer Vorteil. Aber es geht nicht nur um die Funktionalität, sondern auch um die Atmosphäre des Raumes, die für reisende Musiker wichtig ist. Wenn ich das nächste Mal in einer neuen Stadt bin und einen Tag frei habe, würde ich gerne den passenden Raum für vier Stunden zum Experimentieren finden.
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Hatten Sie jemals Probleme bei der Suche nach Räumlichkeiten, bei denen Music Traveller hätte helfen können?
Bevor ich mein eigenes Studio hatte, musste ich zum Proben immer Studios mieten, was stets ein Kompromiss war. Entweder war die Atmosphäre nicht inspirierend, die Ausrüstung nicht in bestem Zustand oder das Klavier miserabel – und man wusste vorher einfach nicht, was einen erwarten würde. Gerade in verschiedenen Städten und Ländern konnte das sehr frustrierend sein, deshalb kam es mir nie in den Sinn, unterwegs ein Studio zu mieten, weil es mir zu kompliziert erschien. Mit Music Traveler ist es aber ganz einfach.
Hören Sie momentan etwas, das unsere Leser überraschen könnte?
Mir fallen zwei Dinge ein.
Zunächst einmal muss ich zugeben, dass mich diese Bon-Iver-Sache total umgehauen hat!
Das zweite Stück entdeckte ich durch einen guten Freund, Guillermo Klein. Ich besuchte eine seiner Kompositionsklassen für unsere Studenten. Er spielte uns „Lanquan li jorn son lonc en mai“ vor, eine Troubadour-Komposition von Jaufré Rudel mit einer abenteuerlichen Melodie, die an einer bestimmten Stelle in eine andere Tonart wechselt und sehr modern klingt, obwohl sie mittelalterlich ist!
Wo sehen Sie die Zukunft der Musik?
Ich würde sagen, Musik ist ständig im Wandel und entwickelt sich weiter, ohne dabei unbedingt besser oder schlechter zu werden – sie verändert sich einfach. Genauso verhält es sich mit der Chormusik der Renaissance: Sie wurde nicht besser, aber im Laufe ihrer Entwicklung erweiterten sich ihre Grenzen und neue harmonische Sphären wurden entdeckt.
In diesen Zeiten, in denen wir keine Konzerte geben können, werden wir uns des Wertes der Musik als zentralem Bestandteil des Lebens besonders bewusst, und wir müssen dafür sorgen, dass ihre Produzenten und Schöpfer frei bleiben, um zu kreieren und mit ihrem Publikum in Kontakt zu treten.
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